Interesantes y variadas propuestas escénicas conformaron el abanico de la programación del encuentro organizado por la UNL.
Durante cuatro días, Santa Fe disfrutó de la experiencia conmovedora y la fascinación que provoca el arte: la danza contemporánea, danza teatro y las nuevas tendencias escénicas se dieron cita en salas, auditorios y espacios urbanos de nuestra ciudad en el marco del IV Argentino de Danza organizado por la Universidad Nacional del Litoral -que continúa apostando a ciclos de nivel artístico que se sostienen en el tiempo-, con el auspicio del Gobierno de la Provincia de Santa Fe y la Municipalidad de Santa Fe, lo que está indicando la concreción de acciones conjuntas desde las gestiones estatales.
Este encuentro, ya instalado como un espacio para el intercambio, la actualización y la formación, es sin duda un evento de relevancia en el escenario nacional para los que disfrutan del arte del movimiento. El carácter artístico del IV Argentino se completó con propuestas vinculadas con la formación con cursos y, durante todos los días del Festival, proyecciones de video-danza y un compacto especial titulado "Miradas que danzan" sobre fotos de ediciones 2006 y 2007 del Festival "El Cruce", creado por Franco Trovato y grupo de fotógrafos.
Los marcos espaciales del evento para la presente edición significaron apuestas muy interesantes que dan cabida a las expresiones artísticas: Foro de la UNL, Sala Mayor del Teatro Municipal, Sala La Juana, Salón Tábula Rasa, Estudio Pitusita y la interesantísima intervención de espacios urbanos: vidrieras de la Peatonal San Martín y el hermosísimo predio del Paseo de las Dos Culturas en el sur de la ciudad.
Público en general, bailarines, actores, artistas vinculados a diferentes lenguajes expresivos acompañaron este encuentro con participación muy activa y genuina expectativa.
La soledad del hombre
Repasemos entonces las propuestas estéticas incluidas en el encuentro.
"El lobo", de Pablo Rotemberg, protagonista y director. La luz en la oscuridad ilumina un reducto en el cual hay un inodoro, un bidet y un lavatorio, pero también un piano dentro de lo que parece ser un baño. De repente, un cuerpo agazapado contra él toca una melodía clásica, triste, tan triste como ser abandonado, desarrollando un virtuoso unipersonal.
El cuerpo se deja caer sobre las notas de esa canción. Cae al piso, rueda, se levanta, vuelve a caer, se dobla. En cada movimiento parece experimentar el dolor y la frustración que causan las ausencias, narrando, sin convenciones y con intensa gestualidad diferentes estados anímicos del personaje. El escenario repite los vacíos lugares de la sociedad contemporánea. Pablo Rotemberg demuestra destreza no sólo corporal sino un sorprendente humorismo producido desde lo físico, lo situacional y lo gestual, desarrollando un trabajo de investigación de las posibilidades expresivas de un espacio escenográfico reducidísimo y lleno de elementos que obstaculizan.
El encierro de una persona desengañada y sola nos enfrenta al rito íntimo del personaje abandonado que puede hacer hasta lo más absurdo en su profunda soledad. Impactante trabajo con imágenes poéticas y situaciones escatológicas, desarrollado con un devastador compromiso escénico del intérprete.
JÓVENES CREADORES
"FIZ" fue el espectáculo dirigido por el joven Juan Onofri Barbato. Obra creada con material de los intérpretes, con búsquedas que promueven interés.
En la coreografía que desarrollaron, movimiento, espacio y música original de Jorge Grela lograron momentos de muy buena síntesis, fundamentalmente en una primera y definitoria escena. Fuerte señalización en el piso invitaba a los cuerpos continuamente en direcciones establecidas. Modificaciones y variaciones fueron necesarias para sostener la acción bailada dentro de esos límites. Los cuerpos fueron descubriendo en el devenir de la danza renovadas posibilidades de existencia. Gran intensidad de ritmo y con todos estos elementos el grupo demostró una compacta labor. El final se acercó, fue determinante, sorprendió e inquietó. Las bandas que operaban señalizando detuvieron a los cuerpos, los sumergieron en la quietud casi violentamente. Los bailarines con impecable técnica que da cuenta de un entrenamiento profesional, y diseños coreográficos muy minimalistas, modelando espacios a partir de narraciones originadas en pequeños lugares corporales.
"Ansia" también fue dirigido por Onofri Barbato. Con coreografía de los intérpretes, un trabajo escénico en el que sobresale un desarrollo corpo vertiginoso, con destacada destreza técnica de los bailarines, aportes muy interesantes de elementos escenográficos que operan como contenedores del relato dramático y el uso de imágenes proyectadas que completan el sentido de la propuesta.
RELATO Y POÉTICA ESCÉNICA
"Caso hermanas" es la obra con puesta en escena y dirección de Patricia Pieragostini y Ricardo Rojas con música original de Mario Colasessano, también en la asistencia de dirección. Cuatro hermanas diferentes pero igualadas en la obsesión por la limpieza, intentando borrar aquello siniestro que las une. Humor, patetismo y rituales de higiene en esa casa que las mantiene aisladas.
El producto del grupo Recua, de impecable factura, nos ubica frente a un profundo trabajo de investigación en el que directores e intérpretes toman como punto de partida el material del cuerpo, su movimiento, la voz, el gesto, como materias expresivas potentes y autónomas en su capacidad creativa, anclando la acción en todo elemento o lenguaje que aporte riqueza al proceso.
El espacio dramático puede interpretarse como un ámbito ceremonial animado por la alternancia de acontecimientos simultáneos y secuenciales. Sitio cotidiano, templo de lo habitual y contenedor del desenfreno "pasado, escondido, no expresado".
Propuesta artística sumamente interesante por su rigor estético y la intensidad de las interpretaciones. La acción dramática transcurre entre límites: limpieza, orden, higiene-caos, risas-tragedia, conducen al espectador a un lugar increíblemente extraño. Un clarísimo e intenso trabajo grupal, una energía en común en el recorrido que efectúan por los recovecos del alma y el cuerpo. Un discurso hondo, visceral, sórdido, con un lenguaje veraz que logra hacer visibles mundos de experiencia alejados del dominio de la lógica.
Una labor de artistas de nuestro medio en la que hay una constante creación de atmósferas inquietantes.
Movilizante
"Siempre quiero que vuelvas", con el Grupo Res dirigido por Juan Berrón. Un espectáculo extremadamente movilizador. Obra densa, muy sicológica, con imágenes potentes construidas a partir del compromiso interpretativo de los bailarines-actores y la concepción del espacio escénico: los cuerpos moviéndose en el agua como metáfora de hundirse en oscuras profundidades. Relato de gran crudeza, tal como se expresó en comentario publicado en este diario en fecha 9 de octubre de 2007.
Ellos en una bella danza
"Satélites" de Juan Pablo Ríos, de la Compañía Locas Margaritas de Neuquén. La consigna de trabajo en la que un cuerpo gira alrededor de otro de masa preponderante fue el disparador para la creación de este bellísimo trabajo en el que los encuentros de los cuerpos se fueron resolviendo con clarísima organicidad, sutileza, con constantes guiños a un humor que se despliega en el constante juego de encuentros y desencuentros de los intérpretes.
Bailarines dotados de solvencia técnica y expresiva conformaron el soporte de este bella propuesta del Festival.
Jugando en los límites
"Habla por mí", de Marcos Peralta y Paula Valdez Cozzi del Grupo "Dospuntocero" de Rosario. Los cuerpos como territorios donde viven la soledad, el cansancio y la ilusión. Una creación en la que devienen escenas conmovedoras en una trama que no es única: acciones y emociones surgen espontáneamente, se mezclan, se entretejen. Momentos definitorios que dan cuenta de un instante en la vida de los intérpretes: aquí y ahora. Lo inasible y fugaz es materia de esta puesta así como el deseo de compartir emociones.
Todo ello con el soporte de excelentes bailarines, que se relacionan con una veraz y potente intimidad escénica.
CUERPOS "AL PALO"
En "Parto", de Luis Garay, con éste y Pablo Castronovo con música original de Jorge Grela. Se ofrecen al espectador cuestiones claramente referentes a la contemporaneidad. Estas no están ligadas al cuerpo como una unidad expresiva individual sino más bien a un cuerpo en relación con otras unidades expresivas orgánicas: otro cuerpo en escena y otros elementos inorgánicos.
La palabra en la obra juega un papel fundamental. Su sentido, en conjunto, ocurre en tres niveles distintos. El texto que significa, el texto que significa como imagen y el texto que significa como sonido. Cada uno de los niveles citados se comunican con el espectador de formas específicas, encontrando en esta modalidad una de las inquietudes de la danza contemporánea actual: la investigación de las posibilidades de representación no corporal del cuerpo mismo y sus funciones.
Con un uso extremo del lenguaje corporal donde desarrolla la particular potencia de un dúo masculino, el espectáculo no se detiene en conceptos, simplemente los usa y allí muestra su veracidad. Por momentos lo que sucede se remonta a experiencias escénicas de los años 60. El pulso de la música en vivo, con elementos tecno-pop y el extremo lenguaje del cuerpo, presentan un discurso fragmentado, oculto. No es lo importante en el producto: sí lo es la elección del lenguaje utilizado en la obra: la creación de libertad y de una realidad singular. Un llamativo y explosivo trabajo que aportó espectacularidad al Festival.
PROPUESTA ESTÉTICA SEDUCTORA
"Me gusta amarte así", de Cristina Gómez Comini con la Compañía de Danza de la UNL. Dirección: Gómez Comini y asistencia de dirección de Fernanda Chiapello.
A partir de la situación imperante de la tecnología al servicio de la comunicación, su uso social reinventa a cada segundo un nuevo mundo, produce una realidad parasensible, constelación de intermediarios comunicacionales que han dado origen a un cambio sustantivo del lenguaje escrito, una nueva modalidad de relaciones en la que el hombre se encuentra cada vez más liberado del compromiso del cuerpo presente, sumiéndolo, simultáneamente en la frustración que provoca la ausencia física del otro.
La obra transita la paradoja de la ausencia física con cuerpos presentes. Desde este disparador la acción se va desarrollando manteniendo este eje de sentido, posibilitando la percepción de los mundos subjetivos de los personajes, dotada de un ritmo cambiante con utilización de recursos coreográficos sutiles que posibilitan el lucimiento de los intérpretes, desarrollando sus discursos escénicos desde la singularidad de sus mundos expresivos.
La propuesta está cargada de efectos emocionales que van apareciendo en un devenir que incluye elementos livianos y a la vez contundentes. La puesta, con una utilización integral del espacio de la sala, confluye en una narrativa que nada tiene de lineal. Una mezcla de recursos y aportes de los intérpretes que posibilita un abordaje a fragmentos que se despliegan con puestas coreográficas, voces y textos al servicio de la obra. Los límites del teatro y la danza se esfuman, posibilitando una experiencia perceptual seductora.
La plástica de la puesta se apoya en un estupendo vestuario, un mundo lumínico que refuerza el sentido de la obra juntamente con el diseño del sonido. La apuesta de la Secretaría de Cultura de la UNL con la creación de la Compañía de Danza obtuvo una destacada devolución y este acontecimiento instala para creadores y bailarines una interesante oportunidad.
EN ESPACIOS URBANOS
A partir del concepto fundante del Festival El Cruce que se organiza anualmente en Rosario, y que se vincula con la idea de "una ciudad que baila en esta interpretación del arte como acto social... sorpresa, acto espontáneo, puro suceso, fugaz y eterno en la memoria" (Festival: El Cruce 7), se presentaron en nuestra ciudad dos montajes. "Nunca llueve aquí adentro" de Cristina Prates, en la vidriera del local Wings en Peatonal San Martín, montaje organizado a partir del material creado por las bailarinas, con la coordinación de Prates. Trabajan sobre lo que aparece como dos partes de una misma cosa, el adentro y el afuera, Un espacio que se transforma a partir de los cuerpos. Una locación urbana que, intervenida por los artistas, nos propone otra identidad, una nueva forma de vivir la ciudad. El trabajo del grupo evidencia seguridad en el proceso de desarrollo de la consigna original, una gran "frescura y espontaneidad" expresiva de las intérpretes, una cuidadosa y estética elección del mundo sonoro y el vestuario transformando el cruce del espectador de la calle con este acontecimiento en una experiencia placentera.
"Producto argentino", intervención urbana en el Paseo de las Dos Culturas bajo la dirección de Gabriela Prado (de Buenos Aires) con la participación de bailarines de diferentes provincias argentinas.
A partir de una investigación con formato workshop los intérpretes intercambiaron sus experiencias particulares, sus formaciones, para arribar a un producto que, además, debió ubicarse en un espacio urbano ya elegido.
La experiencia del proceso significó sin duda un aporte importantísimo para los intérpretes, un aprendizaje intenso para ellos y el coordinador sobre compartir un espacio de integración, diversidad e incentivo a la producción escénica, trabajando con el cuerpo y el espacio público. El concepto de presencialidad escénica como recuperación del permanente presente. Las singularidades expresivas de los bailarines conformaron micromundos, como fragmentos de una realidad, llegando a una sutil totalidad, emotiva y potente.
