Se armonizó más lo social y lo político, enganchados con estéticas más pulidas y definidas que en otros momentos, eludiendo lo panfletario. Este es otro momento histórico y los cruces de lenguajes y de distintas formaciones ofrecieron la posibilidad de apreciar espectáculos de nivel.

Cruces inteligentes

Marilyn García, directora del Foro Cultural de la UNL, y Analía Batistela, coordinadora de Gestión Cultural de la UNL reflexionan con certera intelegencia en la cuidada publicación “Apuntes de las Artes Escénicas 2014” coordinada por Mili López que desde hace varias décadas, las sucesivas gestiones de Cultura y Extensión de la UNL mantuvieron un rol activo en la generación de nuevas políticas culturales que posicionaron a la Universidad como un foro para poner en juego nuevas ideas y miradas, promover el pensamiento crítico y la producción artística y canalizar las nuevas necesidades del campo cultural y los públicos. En este sentido, se crearon las Comedias Universitarias y las Compañías de Danza, entendidas como un espacio artístico que promueve la diversidad estética y la multiplicidad de propuestas a partir de la rotación de sus directores, elencos y equipos de trabajo. Cada director invitado selecciona en cada edición la obra y el elenco, lo que permite desarrollar una experiencia diferente de aprendizaje y de creación, a partir de propuestas que se van recreando.

Por su parte, los Argentinos de Teatro y de Danza lograron instalarse -puntualizan García y Batistela- en la escena nacional como un espacio de representación del quehacer artístico de nuestro país vinculado a lo escénico. Durante más de una década se reunieron en nuestra ciudad las producciones más representativas de las provincias para dar cuenta de las diferentes y valiosas características que distinguen el teatro de cada región.

Después de una década de la creación de estos espacios, el campo de lo escénico nos presenta una nueva mirada. Las estrategias y los signos se han amalgamado para construir otro discurso escénico. Hoy los montajes son justamente eso, montajes, uniones. Los límites que separan los diferentes lenguajes artísticos son muy difíciles de distinguir en una trama escénica. Estas separaciones, estas distinciones entre las artes “puras”, se han superado para dar lugar al diálogo y las múltiples alianzas, a diferentes identidades que se referencian entre sí, a lenguajes que se cruzan. En esas resignificaciones se produce un nuevo orden, una nueva visibilidad y una nueva sensibilidad, que ya no separa las expresiones sino que las cruza para potenciar los resultados. Otros signos requieren otros códigos de lectura.

Y también otro Argentino. Nuevas estrategias -finalizan García y Batistela- en el campo requieren nuevas políticas que las contemplen. Este nuevo encuentro borra la preponderancia de la disciplina e intenta ampliar la mirada para poder reunir en su programación las múltiples formas de sensibilización sobre los temas, las problemáticas, los sentimientos, los intereses y las reflexiones que nos identifican y nos interpelan como ciudadanos.

Lo mejor de lo mejor

Sin duda alguna, lo mejor de este Argentino estuvo dado por “Terrenal”, de Mauricio Kartun, contando la historia de Caín, Abel, y su versión conurbana del mito. Caín productor morronero. Abel vagabundo, vendedor de carnada viva en una banquina del asfalto que va al Tigris. Se adelantaba como “hermanos a los bifes compartiendo ese terreno, su edén berreta, partido al medio, al que nunca podrán volver morada común. La dialéctica imperecedera entre el sedentario y el nómade. Y Tatita, siempre ausente, que regresa al fin ese domingo melancólico”. En la puesta en escena dirigida por el mismo Kartun quedó expuesto un estilo literario de alto nivel poético. Ese no es un texto fácil, sobre todo por la carga de alto contenido lírico y una aparente brutalidad que tienen sus contenidos, por momentos maravillosos, siempre expresados con un exquisito lenguaje.

“Terrenal” traza la gestación de una idea: la de no mentir al espectador. El teatro, como eje ideológico de la pieza, se autodetermina a lo largo de la obra. Los personajes existen para hacer teatro. Kartun destruye la distancia estética alterando la vida en el escenario y volviéndola más representativa de la del espectador. La trama ahonda directamente en el bíblico tema de la hermandad. Pero también se puede ver a Vladimir y Estragón, los emblemáticos personajes beckettianos de “Esperando a Godot” que aguardan a Dios. Aquí esperan a Tatita, también a su modo un dios.

La división de la realidad en fuertes planos se muestra como tema vigente, demoledor.

“Terrenal” parece decirnos cómo la realidad fluye en la ilusión y también que la vida no es más que una improvisación; que la ilusión constituye la única realidad manejable por el ser humano. La ilusión nos permite soportar el dolor y la desesperación que forman nuestra realidad. El manto del arte, como demuestra esta obra, protege contra la absurdidad de la vida real. El espectador de vista corta puede calificar de locos a estos personajes. En esto yace el juego que tanto apasiona a Kartun. Sus personajes son personas que han escogido con mucha lucidez esta forma de mediar en el temido infierno de sus contingencias. La obra es un lacerante ejemplo de individuos que asumen papeles fantásticos para contener su tragedia interior.

Sinceramente brillantes y demoledoras, contundentes y sobrecogedoras las actuaciones de Claudio Martínez Bel, Claudio Rissi y Claudio Da Passano, excelentemente iluminados por Leandra Rodríguez en el adecuado marco escenográfico y el vestuario de Gabriela Fernández. Todos, para el mejor espectáculo del Argentino.

Chejov sublime

Una de las propuestas más espectaculares del Festival fue la de la Compañía Rey Marciali Producciones, de Córdoba, dirigida por David Picotto, a partir de una soberbia versión de “Las tres hermanas”, de Anton Chejov, que encuentra a sus personajes en un mundo atravesado por el cine. Como ya manifestamos en ocasión del Festival del Mercosur, el director combinó teatro y cine y logró dibujar un fino límite entre ambos géneros por el que hizo transitar a sus intérpretes en forma delicada. Así el pasaje entre uno y otro se dio con naturalidad, sin ruidosos quiebres.

La memoria, el recuerdo y las evocaciones son los puntos en común de estas tres mujeres. Siempre están recordando y añorando viajar a Moscú. En esos trozos de pasado, casi con exclusividad, aparecen retazos de vidas marcadas por el aburrimiento. Fue delicioso ver a estas señoras inmersas en tres momentos maravillosos de la historia del cine, a partir de un juego en el que sobresalió un mecanismo de relojería preciso. Estefanía Moyano, Analía Juan, Julieta Daga, Diego Haas, Nelson Balmaceda y Luciana Sgró Ruata otorgaron a sus personajes la necesaria cuota de desparpajo y entrega.

El trabajo de disposición escénica, el exquisito vestuario, la musicalización y la iluminación apoyaron de manera fundamental la idea de puesta de Picotto, ya que conformaron un conjunto sólidamente compacto de sensaciones fuertes, marcadas por las sonrisas. La totalidad, excelente, de gran producción, permitió recuperar la mirada del espectador, que no es sólo una mirada expectante, sino una mirada que transita y elige planos, lugares y espacios desde donde abordar el relato de lo que está pasando. Chapeau al talento.

El Grupo Seda de Rosario fascinó al público que desbordó esa noche la Sala Marechal con “Niebla (hasta que dejemos de soñarnos)”, soberbia propuesta estética.

Foto: Pablo Aguirre

análisis

por Roberto Schneider

Afinar la puntería

• El Argentino nació en nuestra ciudad hace diez años. Era una novedad y, en cierto modo, una utopía, aunque los festivales suelen serlo cuando nacen. Es auspicioso que la conquista de su público se haya producido en un espacio que privilegió siempre el descubrimiento, el riesgo y la libertad creativa. Pero las utopías tienen como condición su eterna renovación. Por eso, es lógico que esta edición sea más ambiciosa que las anteriores al decidir la expansión de sus fronteras y sumar al teatro la danza. Si algo caracterizó en toda su trayectoria fue una programación que si bien no pudo describirse como una muestra cabal de todo el teatro argentino, agrupó propuestas cuya característica común fue la calidad, algo confirmado en cada caso por el apoyo del público en sus correspondientes temporadas, a lo que se sumó la opinión de la crítica.

Tomando como premisa el éxito de un modo de elegir los espectáculos que prioriza la calidad por encima de cualquier otro condicionante estético, es aconsejable entonces afinar más la puntería en la programación y evitar algún lunar negro, como fue este año -por tomar sólo un caso emblemático- la presentación del elenco tucumano con “Amor de músico”, una propuesta que no se explica ante la ausencia de una poética sostenida.