¿Por qué Mondrian sigue siendo admirado en la era digital?

“Todo verdadero artista se ha inspirado más por la belleza de las líneas y el color y las relaciones entre ellos que por el tema concreto de la imagen”. Lo afirmó Piet Mondrian, el artista que falleció un día como hoy, 1 de febrero, del año 1944 en Nueva York, ciudad donde hoy se conservan algunas de sus más grandes obras. Mondrian fue un artista que podría describirse como “revolucionario”: su evolución estilística lo llevó de un naturalismo temprano a la creación de un lenguaje visual radical que todavía es un mojón de referencia para el diseño, la arquitectura y las artes visuales.

Cómo sostiene Miguel Calvo Santos, “para tipos como Mondrian, el arte debía ser representado a través de líneas rectas y colores puros. Cada uno tiene su opinión. En el caso de Mondrian, esto se debía a que lo rectilíneo y lo cromáticamente puro era un símbolo de la expresión del orden cósmico. Esto está vinculado a las teorías teosóficas que estaban de moda en la Europa de la belle epoque y que a la larga no es más que un intento de abstracción diferente al de Kandinsky. Mucho más ordenado, más matemático y más frío”.

Los primeros años

Mondrian nació en 1872 en los Países Bajos. Su formación académica en la Real Academia de Ámsterdam le permitió dominar las técnicas tradicionales de la pintura: esto se ve en sus primeras obras, que son principalmente paisajes, escenas rurales y molinos. En esta etapa se sintió atraído por el impresionismo holandés y el simbolismo. A finales del siglo XIX, comenzó a alejarse del realismo convencional y a mostrar una mayor inclinación hacia la simplificación de las formas.

Hacia la abstracción

La llegada de Mondrian a París lo cambió. Allí entró en contacto con el cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso, lo que lo llevó a reducir la figuración en su obra. Las formas naturales se descomponían en estructuras geométricas, y los colores comenzaban a responder a una lógica más intelectual que sensorial.

Laura Mínguez, en un artículo publicado en la Revista Mercurio, explica que Mondrian “quería desarrollar un tipo de pintura que resumiera todo lo que sabía de la forma más simplificada posible y que ayudara a la humanidad a comenzar de nuevo desde la unidad y no desde el individualismo o, lo que es lo mismo, reducirlo todo a la expresión más sencilla, aquella que nos une a los humanos en lo básico. Para ello, había que ceñir el arte a lo primordial: color, forma, línea y espacio”.

Durante esta fase, Mondrian pintó una serie de árboles, donde la ramificación se convertía en un juego de líneas y planos cada vez más abstractos. El contacto con el teosofismo, una corriente filosófica que buscaba la armonía universal a través de la espiritualidad y la geometría, consolidó su camino hacia la abstracción total. Para Mondrian, el arte debía trascender la subjetividad y las emociones individuales para alcanzar un orden universal, lo que lo llevó a abandonar definitivamente la representación figurativa.

El neoplasticismo

En 1917, Mondrian se unió a Theo van Doesburg y otros artistas para fundar De Stijl, un movimiento que promovía la reducción de la pintura a sus elementos más esenciales: líneas rectas, colores primarios y el uso exclusivo del blanco, negro y gris. Esta mirada, conocida como “neoplasticismo”, buscaba un equilibrio basado en la estructura matemática y la armonía.

Durante la década de 1920, Mondrian llevó este principio a su máxima expresión, creando composiciones con una disposición estrictamente ortogonal y colores planos delimitados por líneas negras. “Composición en rojo, azul y amarillo” es el punto más alto: la pintura es un sistema autónomo sin referencia a la naturaleza o a la percepción tradicional del espacio.

Según datos que constan en la página web del Museo Thyssen Bornemisza: “el nombre de Piet Mondrian está vinculado al grupo neoplasticista holandés aglutinado en torno a la revista De Stijl. Su concepción de que el arte debía ser representado a través de la línea recta y los colores puros como símbolo de la expresión del orden cósmico le convirtió en una de las grandes figuras defensoras de la abstracción y en uno de los artistas más admirados e influyentes del siglo XX”.

En Nueva York

Con la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi en Europa, Mondrian emigró a Nueva York en 1940. Allí encontró una ciudad que lo inspiró a explorar nuevas formas dentro de su estilo. Su fascinación por la estructura rítmica del jazz se reflejó en varias obras, donde las líneas negras fueron reemplazadas por un entramado de pequeños rectángulos de colores, derivado del ritmo frenético de la ciudad.

Esta última etapa mostró un Mondrian más libre. Como indicó Deborah Nicholls-Lee en BBC Cultura, “Mondrian utiliza la combinación de colores primarios y patrones geométricos audaces para transmitir la conectividad inherente de la naturaleza en la manera más destilada y directa posible”.

Vigencia

Mondrian murió en 1944, pero su concepción del arte continúa presente en la arquitectura, la publicidad, el diseño gráfico y la moda. Grandes marcas y creadores reinterpretaron su estilo, desde Yves Saint Laurent en la alta costura hasta diseñadores contemporáneos en la industria del mobiliario.

Tal como sostiene Alex Sala en un artículo publicado en National Geographic: “su evolución pictórica acabó en lienzos con planos de colores primarios y los neutros negro, blanco y gris delimitados por líneas rectas. Nunca pretendió representar la realidad tangible, para él la abstracción iba más allá: ‘el artista ya no necesita un fenómeno natural específico para llegar a una imagen de belleza’, escribió”.