La tragedia de Lear: un cruce entre Shakespeare y James Barry

“Rey Lear” es la tragedia más oscura de William Shakespeare y tal vez por eso una de las más universales del dramaturgo inglés. Si “Hamlet” o “Macbeth” se refieren a la ambición por el poder, “Rey Lear” lo hace también, pero lo une con otras temáticas como la fragilidad del ser humano, la ingratitud filial, el caos social, la vejez y la necesidad de que lo antiguo termine para dar paso a lo nuevo. Es por eso que ecos de “Rey Lear” aparecen con frecuencia, a modo de cruces intertextuales, en películas como “El padrino”, “Ran” de Akira Kurosawa y “El rey León”. Es que Vito Corleone, Hidetora y Scar son, al fin y al cabo, descendientes del monarca shakesperiano.

Si Lear es un personaje fascinante, por lo que sintetiza, entre los que integran el “reparto” uno de los más significativos es Cordelia, la hija menor. A diferencia de sus hermanas, Goneril y Regan, que adulan al padre para ganarse su favor y obtener más réditos, Cordelia no quiere ser hipócrita. Cuando Lear les exige que le digan cuánto lo aman, ella simplemente responde que la medida es de acuerdo a su deber, “ni más ni menos”. Lear ve esto como una falta de amor y la deshereda.

Cordelia se va, el rey es traicionado por las otras hijas y Cordelia, informada de la situación regresa para restaurar el orden y proteger a Lear. Pero, en el desenlace devastador, ella es ejecutada y Lear aparece con el cuerpo de la hija en brazos, gritando de dolor por la pérdida de su hija.

Fuente de inspiración

En esta escena, tan potente, se basó el pintor James Barry para crear una de sus obras más icónicas, “Rey Lear llorando sobre el cuerpo sin vida de Cordelia”, un óleo sobre tela creado entre 1786-1788. El cuadro es un recordatorio de las trágicas consecuencias que conlleva la falta de comunicación (en última instancia, si Lear hubiese comprendido la honestidad de Cordelia, hubiera evitado su destino trágico) y una llamado de atención respecto a la naturaleza efímera del poder: Barry parece subrayar que la puede desmoronarse por decisiones irracionales o por la pérdida de la capacidad para administrarlo.

James Barry nació en County Cork el 11 de octubre de 1741, hace justo 283 años. Llegó muy joven a Dublín, donde su talento fue valorado, al punto de que una pintura de su autoría fue adquirida por la Cámara de los Comunes de Irlanda. Esto le abrió las puertas para una instancia de formación en Italia, donde, según la Royal Academy de Londres, pudo avanzar en su objetivo como artista: “revivir los principios del arte clásico y, al hacerlo, reformar la cultura moderna”. Una tensión que estuvo presente durante toda su carrera. De hecho, entre los temas centrales de sus composiciones estuvieron presentes la antigüedad clásica y algunas obras literarias.

Interpelación vigente

Según consta en el sitio de la red de galerías Tate, “debido a su determinación de crear arte según sus propios principios, en lugar de seguir los de sus mecenas, también se le reconoce como uno de los primeros pintores románticos que trabajaron en Gran Bretaña, aunque como artista pocos lo valoraron altamente hasta la exhaustiva exposición de 1983 en la Tate Gallery, que llevó a una reevaluación de esta ‘personalidad notoriamente beligerante’, que surgió como uno de los artistas irlandeses más importantes”. Su producción no fue tan vasta como otros creadores de su tiempo, pero algunas de sus obras llegaron a ser comparadas con las de Rafael y Tiziano, a los cuáles admiró y estudió en profundidad.

A lo largo de su vida, Barry mantuvo una lucha constante por revivir los ideales del arte clásico y conectar sus obras con temas universales, como lo hizo en su interpretación de Rey Lear. Aunque su ambición de reformar la cultura a través del arte no siempre fue bien recibida, su trabajo trascendió. Como la tragedia de Shakespeare, su arte interpela a repensar la condición humana y su inherente vulnerabilidad.