"De remate now": abrazo secreto entre los vivos y los muertos

La más reciente creación del Laboratorio de Antropología Teatral (LAT) y el Centro de Antropología Teatral en Argentina (Cata), presentarán una nueva producción bajo el nombre de “De remate now” en el Centro Cultural Provincial “Paco Urondo” (Junín 2457) de la ciudad de Santa Fe. Las funciones están programadas para el viernes 21 y el sábado 22 de febrero a las 21, y el domingo 23 a las 20.

Dicen los artistas: “‘De remate now’ es una fábula, a veces una farsa. Había una vez un país cuyos cementerios estaban llenos de gente, de relatos y orígenes olvidados o cambiados. Había un país en donde el re-mate era el último grito de moda. Un país en donde las celebraciones, los encuentros y desencuentros, los sueños, las memorias y desmemorias mantenían vivos a lxs muertxs. Había un país de abrazos suspendidos, de preguntas no hechas, de olvidos que revuelven los recuerdos e intentan recuperar olores, recetas de antaño, rostros, presencias que ningún río puede borrar. Un teléfono, listas de qué nos llevaríamos cuando nos toque el pasaje, cartas a lxs que ya se fueron, algún que otro altarcito con retazos de vidas narradas y silenciadas, son las estrategias que acompañan esta nueva creación del grupo LAT en busca, nosotrxs también, de mantener vivos nuestros sueños en este país del teatro donde las voces colectivas y la grupalidad diversa es un sine qua non”. El proyecto está “dedicado a María Sol Bennasar, que soñaba y cantaba por un mundo mejor”.

La dirección y dramaturgia están a cargo de Ana Woolf, referente del Centro de Antropología Teatral en Argentina y miembro de la Red Magdalena 2a Generación. La concepción del espacio escénico corrió por cuenta de Antonella Diana (artista visual y escenógrafa italiana con sede en Dinamarca, parte del Teatret OM), mientras que el espacio sonoro, la composición, los arreglos musicales y el diseño de luces están a cargo de las capitalinas Natalia Marcet (Red Magdalena 2a Generación y Bar Portuario Centro Cultural) y Marcela Brito (Red Magdalena 2a Generación, Camino Teatro y LAT), La concepción coreográfica fue un trabajo de la maestra mendocina Alejandra Tillar (supervisora del área danza de la Fiesta Nacional de la Vendimia).

La propuesta incorpora la concepción y mediación lingüística intercultural en Lengua de Señas Argentina, a cargo de Natalia Tesone (histórica del staff LAT-Cata-Magdalena). Este enfoque busca garantizar que el mensaje de la obra llegue a un público diverso, fomentando la accesibilidad cultural.

Las entradas pueden adquirirse a través del sitio oficial del Centro de Antropología Teatral en Argentina: https://linktr.ee/centrodeantropologiateatralena. Además, hay una promoción especial de 2x1 para alumnos de la Escuela de Teatro y socios de la Asociación CCP, quienes deben presentar certificado o libreta en la boletería del Centro Cultural Provincial. También se ofrece un canal especial para la adquisición de entradas para personas con Certificado Único de Discapacidad (CUD), escribiendo a boleteriaccp@gmail.com con el CUD y DNI.

Antes del estreno, El Litoral conversó con Woolf, Diana, Marcet y Tillar, junto con el actor y músico José Ignacio Formía.

Abrazos

-¿Cómo salió la idea de “De remate now”?

Woolf: -Tiene varias aristas. En primer lugar, Sol Benassar, que era una compañera nuestra de de LAT, se enfermó: estábamos por hacer una obra, descubrió que tenía cáncer. Cuando estaba ya al final de todos los tratamientos, yo estaba en Europa; y ella me decía: “Ana, quiero hacer una obra, quiero volver a cantar. No tengo la fuerza para estar en el escenario sola”.

Y entonces me dice, “¿Vos querés dirigirla?”. Le digo que sí, y dije: “Es muy fácil”, porque quiere cantar con gente que ella quería, como una especie de despedida. Entonces digo: “Bueno, vamos a elegir canciones, gente que vos querés; vas a estar en el escenario y la persona que va a cantar con vos te abraza. Entonces va a ser sobre abrazos”. Y le pusimos el nombre “Abrazos”.

Justo el momento en que llegué al país, que estaba en el aeropuerto, 6 de la mañana, me avisaron por WhatsApp que Sol había partido. Y a partir de ahí tenía la necesidad de hacerle un homenaje a Sol; me quedó esa idea de un espectáculo sobre abrazos.

Después no puedo ser indiferente, porque nos marca la situación de nuestro país: vengo de afuera y cada vez veo más gente (en Buenos Aires por lo menos) viviendo en la calle. Donde había una, ahora en la esquina hay otra persona, hay una familia; giro y hay otra persona nueva. Y veo como estas personas que viven en la calle, que al inicio están bien de la cabeza (porque hablan, charlan, saludan, les das comida), después empiezan a hablar solos; a la mañana ya están con vino en la mano, empiezan a a perderse.

Y entonces dije: “Esto es una de las partes de mi cotidiano y también lo que sucede en el país”. Y pensé: “¿Cómo el teatro o cómo el arte puede hablar de lo que nos toca, y de lo que nos duele y de lo que nos hace felices también?”. Después encontré de casualidad, porque estaba ahí en casa, “El libro de los abrazos” de (Eduardo) Galeano. Y todo cerró: tenemos muy poquito texto de Galeano, pero otros los fuimos trabajando como subtexto. Entonces esa conjunción hizo eh el camino de la dramaturgia; y obviamente cualquier cosa que dice Galeano es de hoy, es de ayer y es de mañana, lamentablemente, en Latinoamérica.

Ahí surgió esta idea del espectáculo, con actores como siempre de LAT, que son del Litoral: de Entre Ríos, de Santa Fe; vienen de Rosario, de Pergamino. Antonella estaba por venir a Argentina, que ya es un habitué, colaboradora; le dije: “¿Querés hacer la escenografía?”. Ella es de Teatret OM de Dinamarca, creadora de varias escenografías de las obras del Odin; yo fui parte de su grupo, trabajamos mucho tiempo juntas. Eso fue ya como un privilegio.

Quería música, entonces pregunté: “Nati, ¿podés crear música?”. Con Nati ya nos conocemos hace siglos, inmediatamente me dijo que sí. Estaba también Marcela (Brito) que ya había empezado a trabajar música con el grupo; Nacho que es actor, pero que también es músico.

Y tenía la idea de dar un salto más sobre el trabajo que venimos haciendo en el Laboratorio de Antropología Teatral: quería hacer un salto hacia teatro-danza. De mis actores y actrices poco son bailarinas y bailarines; con muy poco tiempo (eso es “De remate” también) convoqué a Ale, quien me hizo descubrir la danza cuando yo tenía 18 años: a Marta Graham, Ana Itelman, Renate Schottelius, a su maestra en Mendoza (Isolde Klietmann).

Fue: “Ale, no te vendrías a trabajar con el grupo?”. “Sí”. Entonces tenemos toda esta intersección y este entrecruce; siempre con la idea de que no hay separación en el teatro: el teatro es multivocal, multicorporal; y un actor o performer es una persona que pone su cuerpo en escena y su voz: cantada, hablada. ¿Quién dice que una caminata no sea una danza? ¿Quién dice que mi texto hablado no sea una música?

-De todos modos hubo que trabajar en capacitaciones específicas.

Tillar: -Hilar un poquito más fino los movimientos naturales. Fue muy interesante, porque era trabajar sobre el material que ya venían trabajando ellos, y aportar un poco de técnica: darles más herramientas para su discurso corporal. Así que fue un desafío re lindo, porque no los conocía, no había trabajado nunca con ellos. Pero dije: “Bueno, allá vamos”.Y acá estoy, muy feliz.

Espacio en movimiento

-¿Cómo fue plasmar la escenografía, y cómo va cambiando en virtud de lo que trabaja el grupo?

Woolf: -Y de la economía: eso fue fundamental y Anto lo re comprende.

Diana: -Nunca hago plan de un estreno hasta que no veo el trabajo, o que no me encuentro con el director. Porque si voy con una idea ya preconcebida, entonces impongo un espacio que todavía no existe. Me gusta trabajar con lo que pasa, con la atención puesta en la cuestión de la economía, la cuestión de la ecología: entonces hay reciclaje. Y también todo empezó con la idea de de los juegos. ¿Cómo se llama ese que es como un Monopoly?

Woolf: -Yo tenía una imagen, a partir de nuestro país, de El Estanciero. Porque tomé conciencia de que, cuando jugaba, compramos provincias. Hipotecábamos el Ferrocarril Belgrano, y y si vos pasabas por mi provincia, me tenías que pagar el permiso de pasaje. Y Formosa o Jujuy eran más baratas que Mendoza y Buenos Aires. Ahora dije: ¿A qué jugaba? Entonces le conté de ese juego a Anto, lo tenemos.

Diana: -Cuando vi este juego, me imaginé estaciones, módulos, lugares a donde se podía pasar y algo pasaba. También la idea de un módulo que se transforma todo el tiempo: que puede ser una vez un camino, otra vez una pared, otra vez puede ser una mochila. Pero que no tiene una realidad efímera, como una pintura de un espacio; sino que es un espacio concreto que dispone de potencialidad e impone acciones. Eso ha creado un desafío muy grande por los actores.

-Tienen que reapropiarse esto que ya empieza a ser un espacio definido.

Diana: -Y Al mismo tiempo crea mucha más colaboración entre nosotros: es una cuestión coreográfica, una cuestión dramatúrgica, una cuestión espacial.

Woolf: -Rítmica.

Diana: -Todo esto nos ha tomado mucho más tiempo y trabajo de lo que estábamos planeando. Pero al mismo tiempo fue un desafío muy lindo, porque están desarrollando cosas increíbles, están tomando conciencia del espacio en otra forma: porque en este mismo sentido que son actores son también creadores de espacio. Me parece muy lindo esto: abre muchas posibilidades, exploramos algunas, también por el tiempo que tenemos.

También tengo siempre una mirada a la cuestión ecológica. ¿Cuántas cosas producimos que tenemos que tirar? El cambio climático no es una boludez: es algo que impacta un montón cada día, que lo vivimos. Me acuerdo cuando tenía 20 años, 10 años, que el tiempo era distinto. Y es una cuestión de estadística real. Entonces como artista me pongo la cuestión: ¿Necesito comprar pintura, comprar metal, ponerme en una producción así, que crea más residuos? ¿O puedo encontrarme con un material que se puede reciclar?

Eso fue la base de todo. Y después hemos desarrollado este diálogo entre actores y espacio; tiempo, que no tenemos.

Dinámicas creativas

-¿Cuáles fueron los plazos en que se trabajó?

Woolf: -Ahora trabajamos acá en el CCP, que nos ofreció dos semanas de trabajo: estuvo maravilloso tener la posibilidad de un espacio, de unos técnicos que están súper disponibles, de luz, de sonido. Entrenamos acá desde marzo, abril, mayo, junio; y nos encontramos una vez por mes. Empezamos a trabajar algunas canciones, algunos trabajos individuales que después no están: como forma individual no pudieron entrar. O sea que hay un “De remate now”, un “De remate after” y “post after”, hay cuatro.

Ellas tres (Antonella, Natalia, y Alejandra) tuvieron dos semanas; y la única posibilidad de llegar a hacer el espectáculo como está ahora, en dos semanas, fue que tuvimos una internación en el Seminario Guadalupe, el mismo donde hicimos la residencia (Trans-Misión) de tres días con todo el grupo, que se súper comprometió: viernes, sábado y domingo, trabajando de las 7 de la mañana hasta las 9 de la noche, y después hicimos el juego, los vestuarios, hasta muy tarde.

S no hubiéramos tenido esos tres días se hace dificultoso, porque no tenemos dinero de producción como para pagar el trabajo. Les decía que es la primera vez que trabajo así: no cuento las dos semanas con todo el grupo; obviamente la gente tiene que trabajar en tal lado y tiene un determinado horario, y viene tres horas; otros vienen tres días y no pueden venir toda la semana. Sábado y domingo pasado sí nos encontramos la mayoría.

Es cómo crear en las condiciones que propone el país. Así como es la primera vez que tenemos una producción autogestiva, porque no tenemos dinero para producción; antes veníamos con el proyecto del Municipal. Esta vez la coproducción es la posibilidad de usar espacios, que también es mucho.

Falta acá la colaboradora de siempre, Natalia Tesone, con la cual trabajamos desde hace muchos años Lengua de Señas Argentina; y obviamente el espectáculo tiene (como Como “Cantata de tierra y mar”, como “Amor”) el trabajo sobre lengua de señas, que tiene que ver con nuestra lucha por la accesibilidad. Como decimos aquí también en el espectáculo: como justicia social. Eso es un foco muy importante para nosotros.

Uno para todos

-¿Cómo fue el trabajo sobre la voz cantada y la música en vivo?

Marcet: -Ellos ya venían trabajando canciones, venían trabajando todo un diseño sonoro. Entonces fue meterse con un trabajo que ya estaba hecho, pero también empezar a limpiar: viendo la dramaturgia y cómo se iba construyendo, en forma paralela y sincronizada con lo que sucedía con las coreografías y con lo dramatúrgico; cómo íbamos quitando o poniendo. Dónde el sonido aparece no como una incidencia, sino como una voz más, como un lenguaje más.

Ellos ya tienen un trabajo muy lindo hecho con las canciones; de hecho las canciones principales que cantan ellos ya las tenían desarrolladas y muy bien. Así que fue zambullirme y ver de qué forma podíamos ponernos en diálogo. También un poco “De remate”: en dos semanas, con poco tiempo: muy jugado, viendo y probando. Y proponiendo y sacando. Y teniendo de parte de todo el grupo la generosidad de decir “propongo esto”, pero si no funciona colectivamente lo sacamos: no importa que sea mi propuestas.

-El aporte es agregar, pero es también sacar. ¿Cuándo decís: “Esto está lindo, pero no cuenta nada”?

Marcet: -Cuando me aturdo, me emboto es porque sonoramente no funciona. Claramente sobra. El otro día estábamos hablando con Ana y me decía: “Tenemos que darle una marca a tal actor para que que diga el texto”. Le contesté: “No, Anita, si tenés música, no podés ponerle más música”. Es sacar lo que hay, no poner. Cuando hay un aturdimiento hay que sacar.

-“También le sacamos el texto al actor”.

Woolf: -También: hubo mucha tijera, ¿no?

Formía: -Sí (risas).

Woolf: -En este seminario, cuando empezamos a trabajar (y fue muy bueno lo que pasó), por una necesidad que tiene que ver con el contexto del cual venimos, lo colectivo se comió las escenas individuales.

Como actriz me duele muchísimo cortar las escenas individuales: me la pasé disculpándome; porque sé lo que duele, porque las trabajamos durante el año, y podían encajar. Y de hecho en mi primera dramaturgia las tenía, antes de encontrarme con el grupo, las había pensado. Y después no había forma, no encajan.

Entonces dijimos: “Haremos de verdad un ‘De remate 2’, donde pase de lo colectivo a lo individual”. La escenografía, por ejemplo, si no es movimiento colectivo no se puede hacer. Y si no tiene una sincronización, y alguien traiciona su espacio de movimiento, se cae.

Desde eso hasta la espacialidad en danza; hasta el canto, que si alguien desafina, se va todo al diablo; en lengua de señas, si alguien no está y no seña en colectivo con el otro están diciendo dos cosas totalmente diferentes fuera de ritmo. Es absolutamente colectivo este espectáculo, y fue por suerte una sorpresa hermosa.

-Una forma de cobrarte las cosas que Julia Varley te hizo sacar a vos.

Woolf: -Pero con eso se hace otra cosa: con los descartes hice una demostración de trabajo.

Marcet: -También esto de pensar en términos de diseño sonoro, concepción del espacio, concepción coreográfica, concepción dramatúrgica. Pensar en términos de un diseño colectivo, donde cada parte está en función de la otra y colabora.

-¿Cómo fue el paso de lo trabajado a lo nuevo?

Formía: -El grupo del Laboratorio de Antropología Teatral siempre da lugar a historias, a cosas personales; este espectáculo son vivencias, es un espectáculo para los vivos y para los muertos. Y la experiencia de cada uno con todo ese mundo: hay gente que habla de sus antepasados, de sus abuelos, de sus padres.

Y eso termina culminando en lo colectivo: uno es actor dentro de un grupo y todo el grupo cuenta; quizás termina contando la historia de uno, pero el grupo termina contando su historia. Por eso siempre se da lugar a las historias, y a que cada uno ponga su granito de arena para que pueda contarse la historia del nivel colectivo.

El después

-Ahora viene el estreno. Se puede pensar que sobre lo que termine pasando habrá una nueva instancia de trabajo, seguirá mutando.

Woolf: -Venemos viernes (el estreno), sábado y domingo; y después posibilidad de empezar a buscar dónde moverlo. Porque también el grupo es grande: como 40 de Cantata, casi 30 en amor, son casi 30 acá, entonces es difícil moverlo.

-A pesar de eso, todos tuvieron una vida larga.

Woolf: -Sí, porque aparte hacemos en los pueblos de Santa Fe; y aparte el concepto es: si tenemos posibilidad de riqueza, como es el Centro Cultural Provincial, se hace en la riqueza; y si no, qué es lo mínimo necesario para poder hacerlo incluso en un centro cultural barrial. Así que va a seguir.

Y lo que va a pasar es que el actor va a salir a enfrentarse con el público; y ahí voy a ver (vamos a ver) cómo funciona todo cuando hay un espectador. Entonces ahí “bueno, esto no va”. Por ahora resta, como dice Eugenio (Barba), la dramaturgia evocativa, que es ya la del espectador: donde no puedo meter mano como directora. El banquete está preparado, los condimentos están sobre la mesa, el pollo está hecho, y el viernes empiezan a comerlo. Y si a alguien le falta sal, habrá que ver qué pasó; y si alguien le sobró sal, hay que ver qué pasa.

Ahí, con el invitado o las invitadas al banquete, no tengo el poder (como diría Eugenio) “de estar en la boca del espectador”. Eso es la dramaturgia evocativa: lo que a vos te evoque, lo que espero que evoque. Porque el nivel de evocación y de resonancia emotiva lo tenemos cuando creamos, lo tienen los actores y las actrices. Pero esa es la magia del teatro: que el encuentro está en el aquí y ahora.

-Uno al espectador no lo lo controla, pero el espectador te tira una cantidad de información.

Woolf: -Total. Allí estaremos atrás como siempre, con el papel y el lápiz para anotar. Y los nervios de los actores. Como dijo uno de mis primeros... no maestro, profesor, cuando salí a la primera muestra: “O te va a amar el escenario, y vos lo vas a amar, o no vas a subir nunca más. O te potencializa o te tira, y sólo lo sabes en el momento de salir: sólo lo sabés en ese maravilloso encuentro”. Como dice (Jerzy) Grotowski: un espectador y un actor, ese encuentro. Que es hermoso: es un encuentro de amor, porque late el corazón: la persona se viste, viene al teatro, compra una entrada, planifica que a tal hora yo voy a estar en el teatro para encontrar ¿a quién? A esta persona que a veces conozco o no. Y el otro se viste, se prepara, se entrena para ese momento único.

-Puede terminar en desamor.

Tillar: -Todo puede pasar.

Woolf: -Espero que termine en un amor de remate... now (risas).