"‘Rey Lear’ habla de nosotros hoy"

Juan Ignacio Novak

jnovak@ellitoral.com

Este sábado, a las 21.30, comenzará a escribirse una página trascendente en la historia del teatro local: en LOA Espacio Proarte (25 de Mayo 1867) se presenta, por primera vez en Santa Fe, “Rey Lear”, de William Shakespeare, con dirección de José María Gatto. Las funciones continuarán los viernes y sábados de octubre y noviembre. Aunque admitió que se trató de un proceso muy complejo, Gatto resaltó sobre todo lo enriquecedor que fue el trabajo con los catorce actores. “Se trató de sacar lo mejor del otro. Creo que eso ya es un éxito. Y eso se va a transmitir”, remarcó.

—¿Por qué eligieron esta obra de Shakespeare?

—No fue ajena a la decisión el aniversario de los 400 años de su muerte. A partir de allí, uno podría haber optado por distintos tipos de homenaje. El desafío era hacer la puesta en escena de una de sus obras. No fue fácil. “Rey Lear” es una obra sumamente compleja, que muchos consideran para el final de una trayectoria, tanto actoral como de dirección. Como decía un director amigo de Buenos Aires: “Sin duda, lo que están haciendo ustedes es un acto de arrogancia, pero está bien en estos tiempos que esta arrogancia sea, de algún modo, un acto de rebeldía”. Ahora hay que sostenerlo con la propuesta artística. Cuando decidí montar Shakespeare pensé en qué obra elegir. Hay comedias maravillosas, dramas sombríos, extraordinarios y tragedias a las cuales uno no puede ya ponerles un calificativo por lo abarcativas, extraordinarias, profundas y poéticas que son. “Rey Lear” me parece que está hablando de nosotros hoy. Hay muchas miradas para abordarla. A mí me interesó mucho la cuestión política. Algunos puestistas ponen el acento en la cuestión filial, que por supuesto es la desencadenante de toda la tragedia. Pero se quedan con esta cuestión íntima en la relación entre el padre y sus tres hijas, la cuestión de la gratitud filial y de la vejez en el marco de esta familia que se va degradando. Pero como dice Yeats, “Rey Lear” no debe verse solamente como la historia de un anciano que con motivo de la toma de una decisión incorrecta comienza a padecer una seguidilla de padecimientos y aflicciones, sino como la historia de una sociedad en decadencia en un tiempo apocalíptico. Mi mirada sobre la obra es netamente política, tiene que ver con lo que pasa con las sociedades en donde los gobernantes comienzan a ejercer el poder no sólo de una manera despiadada, sino sin límites. Sobre lo que sucede cuando un proyecto político, por su finalidad aparentemente buena, permite todos los medios para lograrla. Lo que sucede con los triunfadores en la política cuando el triunfo genera tanto costo social. Lo que pasa con los expulsados en las sociedades. Está muy presente en la obra, o por lo menos quisiera que así sea, el tema de los refugiados. A su vez, la obra habla todo el tiempo de buenos y malos, como en un cuento, pero el malo tiene su objetivo y en definitiva, su concepto de bien común, mÁs allá de todo el daño que provoque en ese camino. Y los buenos, de alguna manera, son víctimas y sufren porque no han sabido asumir una decisión ni como padres ni como políticos.

—El límite entre buenos y malos es difuso.

—La obra es teatro isabelino en cuanto a su concepción escénica, un teatro eminentemente popular donde la gente se identificaba. Y claro que hay un concepto moral muy fuerte. Pero en esta obra, a diferencia de otras como “Hamlet” o “Romeo y Julieta”, Shakespeare propone un final muy sombrío, abierto, que deja pie para que, según el ánimo del espectador, creo que según el ánimo del político al que iba dirigida la obra, advierta que, o tenemos un futuro inminente de destrucción, o podemos revertir la situación. Creo que en estos tiempos de terrorismo, de violación de derechos humanos, de balsas que se pierden en el mar, de niños tirados en la playa, la obra habla de eso, todo el tiempo, sin mencionarlo.

—Ese es el valor de los clásicos: su vigencia.

—Siguen vigentes. Y en cada época dicen algo distinto vinculado a esa época. La grandeza de Shakespeare es impresionante. No tiene, como Lope de Vega, una cantidad extraordinaria, pero la profundidad, el conocimiento de la naturaleza humana es enorme. Nosotros, como equipo, no dejamos de sorprendernos. Y aquí hay una adaptación y una traducción de Luis Gregorich, que es un hombre que tiene una mirada política. Marca esta cuestión del camino de la tiranía, de la dictadura o del poder ejercido de un modo omnímodo y sus consecuencias.

—Otro aspecto para destacar es que todo el equipo está integrado por gente de Santa Fe.

—Todos de Santa Fe. Son muy heterogéneos los lugares desde los cuales proviene cada uno. Hay actores que tienen muchos años de escenario en el teatro independiente santafesino y jóvenes actores que vienen, algunos, del taller de Raúl Kreig.

—Y todos ponen su impronta.

—Es una obra coral. Más allá de que el gran protagónico es el rey Lear, cada uno tiene momentos actorales maravillosos, de profundidad en el texto y desarrollo intensivo en la actuación.

La primera

“Rey Lear” nunca se puso en escena en Santa Fe. Tampoco vino nunca realizada por un elenco de Buenos Aires. La última puesta fue la de Rubén Szchumacher, con Alfredo Alcón como protagonista, pero no viajó a Santa Fe.

Los realizadores

El elenco está integrado por Matías Bonfanti (Edmund), Claudio Paz (Conde de Kent), Adolfo Marianoff (Conde de Gloucester), Exequiel Maya (Bufón), Camilo Céspedes (Oswald), Miguel Pascual (Duque de Albany), Roberto Francucci (Duque de Cornwall), Marisa Ramirez (Goneril), Sofía Kreig (Regan), Florencia Minen (Cordelia), Mariano Rubiolo (Rey de Francia, Vasallo, Médico, Caballero), Emiliano Demarco (Duque de Borgogna, Oficial, Heraldo, Caballero), Guillermo Frick (Rey Lear), Federico Kessler (Edgard). José Ignacio Serralunga, alternativamente, cumple el rol de Kent, Gloucester, Oswald, Albany o Cornwall.

Como asistentes y técnicos de escenario se desempeñana Virginia Basualdo y Alejandro Maidana; asistente de dirección, Milagros Berli; coach de luchas, Andrés Legallais; técnico vocal, Fabián Pinnola. En diseño lumínico y como operador de luces, está Diego Tomás; técnico de sonido, Federico Louteiro; diseño gráfico, Andrés Bellocchio, producción de sala LOA, Pedro Deré; prensa de LOA, Rosana Balbuena, diseño de gigantografías en sala, Diego Bargas; foto fija y de puesta, Pablo Cánepa. La prensa y la comunicación están a cargo de Moranda, la producción ejecutiva es de Pablo Sarnari, la escenografía y vestuario de Osvaldo Pettinari y la dirección y producción general de José María Gatto.